jueves, 29 de septiembre de 2011

ARTE: La acuarela como técnica de arte




 "Acuarela es sutileza, libertad, precisión, suavidad, fuerza... Acuarela es, en fin, todo lo que el artista, a partir de su inteligencia, conocimiento, destreza y capacidad artística, pueda crear con ella." Sandra Walz

 
La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua.
Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono.
Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando.
  • En Japón, la acuarela ejecutada con tinta es denominada Sumi-e.
  • En la pintura china, coreana y japonesa ha sido un medio pictórico dominante, realizado frecuentemente en tonalidades monocromáticas negras o marrones.

La acuarela está hecha de pigmento fino o tinta mezclada con goma arábiga para darle cuerpo y glicerina o miel para darle viscosidad y unir el colorante a la superficie a pintar. Un relleno sin pigmentar se añade al gouache para dar opacidad a la pintura.
Toda acuarela palidece si se expone al sol, los colores permanecen cuanto más calidad tienen los pigmentos. Podemos encontrar los colores en tubos o pastillas, en las dos formas vemos las diferencias entre pigmentos, por ejemplo con el azul de manganeso conseguimos una granulación.

Historia de la Acuarela

La pintura a la acuarela empezó con la invención del papel en China poco después de 100 a. C. En el siglo XII los árabes introdujeron la fabricación del papel en España y la tecnología se extendió a Italia décadas más tarde.
Algunos de los más antiguos fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en Italia), abierto en 1276, y Arches (en Francia), abierto en 1492.


Alberto Durero, Joven Liebre, 1502, Acuarela.
El antecesor de la acuarela en Europa fue el fresco — pintura mural usando pigmentos en un medio acuoso sobre yeso húmedo. Un buen ejemplo de fresco es la Capilla Sixtina, iniciado en 1508 y completado en 1514.


El primer uso conocido de la acuarela en Europa es por el pintor renacentista italiano Raffaello Santi (1483-1520), quien pintaba en grandes cartulinas como bocetos de tapices.

En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV. La primera escuela de acuarela en Europa fue liderada por Hans Bol (1534-1593), influida por las creaciones de Dürer.

Otros famosos artistas usaron la acuarela para completar su obra al óleo, incluyendo a van Dyck (1599-1641), Thomas Gainsborough (1727-1788), y John Constable (1776-1837).

En la Gran Bretaña del siglo XVIII, Paul Sandby (1725–1809) fue llamado padre de la acuarela británica.

Uno de los acuarelistas más famosos es Joseph Mallord William Turner (1775-1850), que fue precursor de las técnicas que posteriormente desarrollarían las vanguardias. Sus cuadros reflejan magníficamente la luz y el movimiento.

En la pintura española del s. XX cabe destacar en acuarela a dos grandes maestros: Ceferino Olivé (1907-1995) y su discípulo Rafael Alonso López-Montero (1921-2009 ), de quién se ha escrito: "Rafael sigue despertando admiración sincera con su dominio de la figura, su acierto en la temática y su concepción del color. En la proporción, el encuadre, la perspectiva, la consecución de los primeros términos y de los fondos lejanos, Rafael Alonso es un maestro desenfadado. Y ha llegado a esa cima a través del trabajo ilusionado cada día. Ya hace tiempo que Rafael Alonso figura entre los más destacados acuarelistas españoles. Sólo hay que contemplar esta esplendida selección de su variada obra para comprenderlo…" Agustín Romo. Revista Correo del Arte. 1989

En Canarias, es significativa la práctica de esta técnica pictórica que tiene y ha tenido un gran arraigo y desarrollo, destacando entre otros artistas; Francisco Bonnín Guerín, José Comas Quesada o Alberto Manrique.


Acuarela del pintor canario Comas Quesada.
El término acuarela se refiere frecuentemente a la acuarela transparente o al gouache (una forma opaca de la misma pintura.).


Técnica

La técnica "transparente" de la acuarela implica la superposición de lavados finos y se basa en la blancura del papel para obtener sus efectos y los toques de luz.

  • A medida que se superponen más lavados el color se hace más profundo.
  • El color de la acuarela se puede modificar añadiendo o quitando agua, usando pinceles, esponjas o trapos.
  • La acuarela da muchas posibilidades: la técnica del lavado nos permite crear degradados o lavados uniformes, incluso superposición de colores.
  • Con la técnica húmedo sobre húmedo pintamos con la acuarela sobre el soporte ya humedecido, que nos da un efecto diferente.
  • También podemos realizar lavados del pigmento una vez seco, dependiendo del papel, del pigmento y la temperatura del agua.
  • La limpieza con esponja u otro elemento absorbente, el raspado, son algunos ejemplos de las amplias posibilidades que ofrece la acuarela.

Soporte

El soporte más corriente para esta técnica es el papel y hay gran variedad de texturas, pesos y colores, y su elección depende del estilo del artista. Existen tres tipos estándar:
  1. Papel prensado en caliente (hp), tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas consideran una superficie demasiado resbalosa y lisa para la acuarela
  2. Papel prensado en frío (no), es texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y lisos.
  3. Papel áspero, una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un efecto moteado por las cavidades del papel.

El peso del papel es la segunda consideración para su elección, ya que un papel más pesado tiene menos tendencia a ondularse.
  • Para evitar que el papel se ondule hay que tensarlo. Antes de hacer cualquier de estas tecnicas debes de pensar lo que deberas de hacer


FRAGMENTOS DEL BARROCO MEXICANO

Por el acuarelista Jorge Alberto Fernández Ocampo
jorgeafo@hotmail.com





BIBLIOTECA MIGUEL LERDO DE TEJADA
República de El Salvador 49,
Centro Histórico. C.P. 06080
Delegación Cuauhtémoc

La Biblioteca Miguel Lerdo de Tejada ocupa el Antiguo Oratorio de San Felipe Neri en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Tiene un gran prestigio ganado a lo largo de más de siete décadas por la riqueza de sus colecciones, por el valor de su hemeroteca, por la calidad de sus servicios, por las excelentes condiciones para la consulta y el estudio de su acervo, así como por la atención cordial de su personal.
La Biblioteca de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público refrenda una tradición iniciada por sus fundadores don Luis Montes de Oca, don Jesús Silva Herzog y don Francisco Gamoneda, así como algunos de los más ilustres maestros que con su trabajo dieron testimonio del valor y la riqueza de los acervos de la Biblioteca Miguel Lerdo de Tejada: Daniel Cosío Villegas, Agustín Yá Moisés González Navarro.






Sagrario Metropolitano
Catedral Metropolitana, el Sagrario Metropolitano es también su parroquia. Este edificio construido entre 1749 y 1768 es obra del arquitecto andaluz Lorenzo Rodríguez. De estilo barroco estípite en su exterior y neoclásico al interior, su fachada fue elaborada en tezontle rojo y cantera blanca.



Iglesia de San Francisco de Asís,
Centro Histórico,
calle Madero, México, D.F.

Una de las perdidas más tristes del patrimonio cultural de la Ciudad de Mexico se produjo en el convento de San Francisco.
La prolongación del Eje Central y las obras de la Torre Latinoamericana, entre otras obras, terminaron de reducirlo, dejándonos hoy sólo una pequeña parte del claustro y la iglesia. Originalmente, en estos terrenos se situaba el zoológico del emperador Moctezuma, conocido como Casa de las Fieras.
Cortes cedería más tarde el lugar a los franciscanos, primera orden en establecerse en la Nueva España, y que edificaría un convento de 32.490 metros cuadrados, más grande que se hubiera fundado en America. En sus terrenos se fundó la escuela de Artes y Oficios de San Jose de los Naturales, con la finalidad de formar a los niños indígenas.



Santa Veracruz
Dos de Abril 6 y Av. Hidalgo
Col. Guerrero Sureste C.P. 6300
Del. Cuauhtémoc

Edificada en 1586, demolida dos siglos después y construida posteriormente en 1764, la Parroquia de Santa Veracruz alberga las imágenes del Cristo de los Siete Velos, la Virgen de los Remedios así como los restos del brillante escultor español Manuel Tolsa.


 
La Iglesia de Santo Domingo es un templo barroco del siglo XVIII y es todo lo que queda de lo que fue el importante convento de la Orden de Santo Domingo, en la Ciudad de México. Se localiza en el centro histórico de la ciudad, en la Plaza 23 de mayo, y frente al costado norte de la Plaza de Santo Domingo.







miércoles, 21 de septiembre de 2011

EVENTOS, FERIAS Y EXPOSICIONES: El hiperrealismo de Ron Mueck al DF





Un total de 167 mil 700 personas visitaron la exposición del artista australiano Ron Mueck, en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (Marco). La muestra se abrió durante el periodo del 18 de marzo al 31 de julio.
Podrá ser apreciado por primera vez en la Ciudad de México, en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, en el centro histórico, donde permanecerá abierta hasta el próximo 5 de febrero de 2012.
El hiperrealismo que caracteriza la escultura del artista australiano Ron Mueck, surgido en Estados Unidos, propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía.
El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, favorable a la literalidad del trampantojo (engaña al ojo).


Trampantojo 


Los artistas hiperrealistas tratan de buscar una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes.
Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
Por Claudio bravo

En la década de los 1920, los pintores del precisionismo (realismo cubista) ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez).
Pero es innegable que el arte pop (empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación) sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.


Por Alex Ross

es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo



lunes, 12 de septiembre de 2011

EVENTOS, FERIAS Y EXPOSICIONES: "Caravaggio y sus seguidores en Roma"


Hoy en día, el chico malo del arte italiano es considerado el primer artista moderno de la forma en que introdujo el naturalismo - verdadera emoción y la psicología a la pintura. "Caravaggio y sus seguidores en Roma",  se estrenó el 17 de junio del presente año, en una corta temporada, la Galería Nacional de Canadá, Ottawa.

 Hoy en día, el chico malo del arte italiano es considerado el primer artista moderno de la forma en que introdujo el naturalismo - verdadera emoción y la psicología a la pintura. "Caravaggio y sus seguidores en Roma",  se estrenó el 17 de junio del presente año, en una corta temporada, la Galería Nacional de Canadá, Ottawa.
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Nació en Milán, 29 de septiembre de 1571 – Porto Ércoley murió el 18 de julio de 1610, a los 38 años. Fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia, entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco.
Salvo en sus principios, Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes. Dos de los reproches habituales eran el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, así como la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición.2
Caravaggio tuvo una vida tumultuosa. Con una gran capacidad de enfrascarse en riñas, muchas de ellas fueron en los mismos lugares e incluso se le llegó a procesar por esto. La noche del 29 de mayo de 1606 mató, probablemente por accidente, a un hombre llamado Ranuccio Tomassoni.3
Anteriormente, sus mecenas le protegieron de posibles acciones judiciales en su contra, motivadas por riñas, pero esta vez fue diferente. Con una orden de aprehensión a sus espaldas y fuera de la ley, Caravaggio huyó a Nápoles. Ahí, bajo la protección de los Colonna, la autoridad romana veía mermado su poder. Pronto se convirtió en la estrella de la pintura napolitana. En esta etapa realizó Siete acciones de misericordia y la Madonna del Rosario, entre otros.

SIETE ACCIONES DE MISERICORDIA

Luego de este suceso, Caravaggio permaneció unos meses más en Nápoles y finalmente marchó a Malta, al cuartel de los Caballeros de Malta. Se le nombró pintor general de la Orden.
Los principales trabajos de esta época fueron La degollación de San Juan Bautista (la única pintura de Caravaggio con su firma) y Retrato del gran maestre de la Orden de Malta Alof de Wignacourt, así como retratos de otros caballeros de la Orden.

LA DECAPITACIÓN DE SAN JUAN BAUTISTA

Luego de su expulsión de Malta, Caravaggio se asentó en Sicilia. En esos años, Caravaggio continuó realizando trabajos bien pagados, como La sepultura de Santa Lucía, La resurrección de Lázaro y La adoración de los pastores. «Sus grandes obras sicilianas demuestran sombras aisladas. Al contrario de opacar pobremente a los personajes, la obra sugiere temores y fragilidades del hombre, a la vez que transmite la belleza y sencillez de los humildes, mansos y sencillos, que recibirán por herencia la tierra».4

LA RESURRECCIÓN DE LÁZARO


 Después de nueve meses en Sicilia, Caravaggio regresó a Nápoles y gracias al nuevo Papa, el cardenal Camilo Borghese (Pablo V) y pudo regresar a Roma.5
En Nápoles realizó La negación de San Pedro y El martirio de Santa Úrsula, su última pintura. Nuevamente, el estilo de Caravaggio evolucionaba.

EL MARTIRIO DE SANTA ÚRSULA


En El martirio de Santa Úrsula la santa atraviesa uno de los momentos de mayor intensidad, acción y drama en su martirio, cuando la flecha disparada por el rey de los hunos, la hiere en sus senos.
En Nápoles fue víctima de un intento de asesinato, por personas desconocidas. Al recuperarse pintó Salomé sostiene la cabeza de Juan el Bautista, mostrando su propia cabeza en el plato, obra enviada a Wignacourt para conseguir el perdón. En ese mismo tiempo pintó David con la cabeza de Goliat, mostrando al joven David con un aura de tristeza al mirar la cabeza del vencido gigante Goliat, algo repetitivo en la obra caravaggista. Este cuadro le fue enviado al cardenal Scipione Borghese, sobrino del Papa, conocido por su falta de escrúpulos y por sus mecenazgos. Algunos críticos consideran a David con la cabeza de Goliat, como un pago de Caravaggio por la ayuda prestada por Borghese para obtener el perdón papal.6
Una de sus obras más conocidas de la época es La negación de San Pedro. En el claroscuro de esta pintura, dos mujeres señalan con sus dedos a Pedro, mientras que un soldado completa el trío. De esta manera, Caravaggio representó simbólicamente las tres negaciones de Pedro hacia Cristo. 

LA NEGACIÓN DE SAN PEDRO

Para La Flagelación, compuso una coreografía de cuerpos en claroscuro con un Cristo en movimiento de total abandono y de una belleza carismática.

Para el San Juan Bautista con el carnero, muestra a un jovenzuelo de mirada provocativa y en posición lasciva –se decía que el modelo era uno de sus amantes.

La pintura de Caravaggio que causaría el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue La muerte de la Virgen, por la representación tan realista del cuerpo de la Virgen María con el vientre hinchado -acompañado de sulfurosos rumores según los cuales el modelo era una prostituta.

LA MUERTE DE LA VIRGEN

La muerte de la virgen, le fue encargada a Caravaggio por un acaudalado jurista, quien pensaba ubicar el cuadro en su capilla personal, mantenida por carmelitas. Éstos rechazaron terminantemente el cuadro en 1606. La muerte de la Virgen, fue comprada por el Duque de Mantua por consejo de Rubens, como un obsequio para el monarca Carlos I de Inglaterra. Finalmente entró en la corte francesa en 1671.

Tomando como base las reglas del manierismo, Caravaggio creó una nueva forma de naturalismo, en la que combinó figuras cerradas con la observación física, dramática y teatral de los objetos, a lo que sumó el aprovechamiento del claroscuro, es decir, el uso de luces y sombras.6
Contactó con Giuseppe Cesari, pintor de cámara de Clemente VIII, «pintor de flores y frutos», 12 quien le ofreció trabajo en su taller de pintura. Caravaggio pintó varios cuadros durante esa época, entre los que se incluyen Muchacho cogiendo fruta (su primera pintura conocida), Cesto con frutas y Baco, supuestamente un autorretrato realizado tras una convalecencia posterior a su salida del taller de Cesari.

La buenaventura es su primera composición con más de una figura, en la que muestra a Mario engañado por una niña gitana.

Los jugadores de cartas —que muestra otra poco sofisticada forma en que un chico cae en la trampa de los jugadores de cartas— es psicológicamente más compleja que sus anteriores obras y por ello fue considerada como su primera obra maestra.

Para el cardenal Francesco María Del Monte, en Roma y su círculo amante del arte, Caravaggio ejecutó un gran número de obras de cámara, como Los músicos, Apolo tocando el laúd, una copia de su Baco y una alegoría realista, Chico mordido por una lagartija.

La contrarreforma necesitaba adornar sus vistosos templos, y Caravaggio fue uno de los comisionados para ilustrar sus nuevos templos.
La primera de estas pinturas fue Magdalena Penitente, en la que muestra a la pecadora bíblica abandonando su vida de cortesana y sentándose a llorar en el piso, mientras sus joyas se encuentran tiradas a su alrededor. «No parece una pintura religiosa del todo. Este estilo de pinturas fue repetido en sus siguientes trabajos, también eclesiásticos: San Francisco de Asís en meditación; San Francisco de Asís en éxtasis, Los músicos, Descanso en la huida a Egipto, Marta y María Magdalena y David con la cabeza de Goliat.

En 1599, presumiblemente bajo la influencia del cardenal Del Monte, Caravaggio fue contratado para decorar la Capilla Contarelli, en la iglesia romana de San Luis de los Franceses. Los dos trabajos hechos para este encargo fueron: El martirio de San Mateo, y La vocación de San Mateo, entregados en 1600.
El tenebrismo se mostró una vez más en estos trabajos, aumentando el claroscuro y un realismo barroco muy emocional.

En La vocación de San Mateo, Caravaggio muestra un haz de luz entrando por una ventana, que expresa simbólicamente la conversión de Leví en Mateo.
Otras alegorías a la redención del cobrador de impuestos son la bisagra de la puerta sostenida por los ángeles, a partir de nubes u otros artefactos.
  
Otros trabajos incluyen El entierro de Cristo, la Madonna de Loreto (también conocida como Madonna de los peregrinos), Madonna con el niño y Santa Ana y la Muerte de la Virgen. Las últimas dos pinturas atestiguaron, de forma especial, un recibimiento poco cálido entre el pueblo de Roma.

La Madonna con el niño y Santa Ana, conocida como Madonna dei palafrenieri fue pintada para un pequeño altar de la Basílica de San Pedro, sólo permaneció en su lugar dos días, y fue retirada. El secretario de un cardenal escribió al respecto: «En esta pintura todo es vulgaridad, sacrilegio y disgusto. Una cosa puedo decir, es un trabajo hecho por un pintor que no pinta bien, con un espíritu oscuro y que ha estado alejado de Dios durante mucho tiempo, y también de cualquier otra cosa buena».


El amor victorioso. 1602 - 1603. Óleo sobre lienzo. 156 x 113 cm. Gemäldegalerie, Berlín. Caravaggio muestra a Cupido por encima de todos los poderes terrenales: guerra, música, ciencia, gobierno.
Una de las pocas pinturas de carácter secular y no religioso de aquella época fue El triunfo del amor, pintada en 1602 para Vincenzo Giustiniani, miembro del círculo social del cardenal Del Monte.

Otras pinturas: Exilio y muerte (1606-1610); Siete acciones de misericordia, 1607 Óleo sobre lienzo, 390 x 260 cm. Pio Monte della Misericordia, Nápoles; San Jerónimo escribiendo, Valleta, Malta, 1608; La decapitación de San Juan Bautista, Catedral de San Juan, Valleta, Malta; La flagelación de Cristo, 1607 Óleo sobre lienzo, 286 x 213, Museo de Capodimonte, Nápoles.

Referencias
2.     a b c Gombrich, página 390.
3.     Las circunstancias de la riña aún no han sido esclarecidas del todo. En el juicio posterior los testigos afirmaron que la pelea fue producto de una deuda y de la derrota de Caravaggio en un juego de tenis, y esta versión ha quedado asentada en la imaginación popular como la causa verdadera. Informe sobre el juicio de Caravaggio.
4.     Langdon, p.365.
5.     Según Baglione, Caravaggio en Nápoles, «sólo esperaba la trampa del enemigo», de su siempre oculto enemigo.
6.     Según un escritor del siglo XVII, la cabeza de Goliat es un autorretrato de Caravaggio, mientras que David es «su pequeño Caravaggio». Esta frase ha sido interpretada como un retrato del pintor mucho más joven, o más bien, a Cecco (modelo para El amor victorioso). La hoja de la espada tiene una frase titulada «La humildad vence al orgullo». El cuadro en principio fue atribuido a la época romana, pero Bellori afirma que fue concebido durante el segundo período napolitano.

Obtenido de:

«http://es.wikipedia.org/wiki/Caravaggio»

http://www.ottawasun.com/2011/06/17/caravaggio-in-the-flesh-at-the-national-gallery
http://www.peliculasyonkis.com/pelicula/caravaggio-1985/
http://www.megavideo.com/?s=seriesyonkis&v=EJZVZEHX&confirmed=1
http://www.megavideo.com/?s=seriesyonkis&v=EJZVZEHX&confirmed=1



viernes, 9 de septiembre de 2011

CARICATURA POLÍTICA: "Mineros Chilenos"






La caricatura fue publicada el jueves 14 de diciembre de 2010, y toma el caso de Chile y de los trabajadores atrapados en una mina, para realizar un poderoso comentario sobre el compromiso de un Estado en proteger a sus ciudadanos más vulnerables.
Ricardo Clement, mejor conocido como “Alecus”, supo, desde el momento que la terminó, que “Mineros chilenos” (también conocida como “Rescate”) era una “caricatura especial”.
Esa intuición quedó confirmada cuando recibió un galardón de clase mundial: el tercer lugar en el Premio World Press Cartoon en la categoría de caricatura editorial.